Натюрморты великих мастеров. Натюрморт в живописи: виды и описание

Отношение к натюрморту в разные эпохи менялось, иногда о нем практически забывали, а иногда он был самым популярным жанром живописи. Как самостоятельный жанр живописи он появился в творчестве голландских художников в 17 веке. В России долгое время к натюрморту относились как к низшему жанру, и только в начале 20 века стал полноценным жанром. За четырех вековую историю художниками было создано очень большое количество натюрмортов, но и среди этого количества можно выделить наиболее известные и значимые работы для жанра.

«Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649) Виллем Клас Хеда (1594-1682).

Голландский художник был признанным мастером натюрморта, но именно эта картина выделяется в его творчестве. Здесь заметно виртуозное мастерство Хеды в передаче повседневных предметов быта - создаётся ощущение реальности каждого из них. На столе, покрытом богатой скатертью, стоит янтарный лимон, кусок свежей ветчины и столовое серебро. Завтра только что окончен, поэтому на столе заметен небольшой беспорядок, что делает картину еще более реальной. Как и у большинства голландских натюрмортов этого периода, здесь каждый предмет несет какую-то смысловую нагрузку. Так, серебряная посуда говорит о земном богатстве, ветчина обозначает чувственные радости, а лимон - внешнюю красоту, скрывающую внутреннюю горечь. Через эти символы художник напоминает нам, что следует думать больше о душе, а не только о теле. Картина выполнена в единой коричнево-серой гамме, характерной для всей голландской живописи этой эпохи. Кроме очевидной декоративности, этот натюрморт также рассказывает о незаметной «тихой жизни» предметов, которую подметил внимательный взгляд художника.

«Персики и груши» (1895) Поль Сезанн (1830-1906).

Жанр натюрморта всегда был весьма консервативным. Поэтому практически до начала 20-го века он выглядел также как и в 17-м веке. До тех пор пока за него не взялся Поль Сезанн . Он считал, что живопись должна объективно передавать действительность, а картины должны быть основаны на закономерностях природы. Сезанн стремился передать не изменчивые, а постоянные качества предмета, через синтез формы и цвета, объединение формы и пространства. И жанр натюрморта стал прекрасным объектом для этих экспериментов. Каждый из предметов на натюрморте «Персики и груши» изображён с разных углов зрения. Так стол мы видим сверху, фрукты и скатерть - сбоку, маленький столик - снизу, а кувшин вообще одновременно с разных сторон. Сезанн пытается максимально точно передать форму и объём персиков и груш. Для этого он использует оптические законы, так тёплые оттенки (красный, розовый, жёлтый, золотистый) воспринимаются нами выступающими, а холодные (голубой, синий, зелёный) - отступающими в глубь. Поэтому форма предметов на его натюрмортах не зависит от освещения, а делается постоянной. Именно поэтому Сезанна выглядят монументальными.

«Голубая скатерть» (1909) Анри Матисс (1869-1954) .

В российском живописном искусстве натюрморт практически всегда был второстепенным жанром. А назвать отечественного художника-натюрмориста смогут только искушенные искусствоведы. Но, так или иначе, натюрморт как самостоятельный жанр стал развиваться в 19 веке. Первыми «ласточками» стали небольшие акварели и гуаши Ф.П. Толстого и работы И.Т. Хруцкого. Это были классические европейские натюрморты с пышными букетами садовых цветов и корзинами фруктов. При всем их художественном обаянии эти работы имели весьма ограниченное значение для развития российской живописи.

Интерес к натюрморту как к самостоятельному жанру живописи появляется в 80-х годах 19 столетия . Важное место здесь принадлежит картинам И.И. Левитана (1860-1900) . Они, как правило, просты по замыслу и не велики по размеру, и представляют букеты привычных садовых или полевых цветов. В натюрморте «Лесные фиалки и незабудки» (1889) художник чутко предал хрупкость ночных фиалок и воздушность голубых незабудок, их гармонию с простой деревенской кринкой. Близки по мотиву «Одуванчики» и «Белая сирень». Первые выдержаны в теплой гамме, которая очень органично смотрится с глиной молочной кринки и желтыми головками цветов. Эти натюрморты Левитана достаточно традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне и изолированы от окружающего пространства. Смысл этих картин очень прост - максимально точно передать прелесть выбранной натуры. Однако в эти же время в творчестве В. А. Серова и К.А. Коровина стали проявляться новые веяния, зародившиеся на полотнах французских импрессионистов . Импрессионисты старались связать натюрморт с окружающей средой, и сюжетно, и живописно. Для этого «мертвую натуру» выносят в пленэр, связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. При помощи натюрморта пытаются создать отражение мироощущения человека, его настроения и жизненного уклада.

Все эти тенденции заметны на картине Коровина «За чайным столом» (1888). На полотне изображено дружеское общество на даче В.Д. Поленова . Картина написана на террасе загородного дома. Художник пытается передать ощущение летнего дня, прелесть дружеской беседы. Свежесть, исходящая от зелени и молодых лиц, создается в определенной степени и натюрмортом - контрастом красных налитых ягод в белой тарелке, молоком в высоких прозрачных стаканах, белизной свежей скатерти. Эмоциональное единство картины прежде всего достигается живописным решением полотна. Все изображенное написано с учетом окружающей световоздушной среды. На знаменитой картине Серова «Девочка с персиками » (1887) натюрморт с персиками на переднем плане на первый взгляд не играет важной роли в композиции полотна. Все внимание художника устремлено на В. Мамонтову, а фрукты только дополняют созданный образ. Но персики помогает Серову решить важную художественную задачу. Фрукты, по замыслу художника, служат цветовым ключом к колористическому построению картины. Серов подбирает для персиков собственный желтый цвет и противопоставляет его с белизной скатерти, с зеленью кленовой листвы и желтизной света, льющегося из окна в сад. Художник различает лимонно-желтые, зеленоватые и золотисто-желтые тона на неровных боках плодов. Осязаемый свет летнего дня, который словно формирует персики, определяет весь эмоциональный и живописный строй картины.

В этих работах Серов и Коровин открывают новый этап в развитии русского натюрморта. Аналитический характер этих картин принципиально отличается от существовавшей на тот момент концепции салонного натюрморта. Главным достоинством таких работ считалось максимальное сходство изображения с предметом. Также высоко ценилось этюдная легкость манеры или тщательная отделка живописной поверхности. Наиболее точно все эти принципы воплощены на большой картине К. Е. Маковского «В мастерской художника» (1881) . Работа поражает «натюрмортным» нагромождением деталей: экзотических фруктов, богатых тканей, антикварных редкостей. Огромная собака и маленький мальчик кажутся не живыми существами, а простыми экспонатами этой выставки предметов роскоши. Новая же концепция натюрморта предполагала всестороннее расширение границ жанра и слиянию его с портретом, пейзажем, интерьерной и бытовой живописью. Натюрморт перестает быть простым изображением «мертвой природы» и превращается в средство раскрытия образа.

Новые веяния заметны в известной картине В.Д. Поленова «Больная» (1886) . Интерьер и фигура героини погружены в глубокую тень - они лишь фон, а смысл происходящего раскрывается при помощи компактной группы предметов, которая ярко освещена лампой с зеленым абажуром. Этот натюрморт очень содержателен. Полуобгорелый абажур выхватывают из темноты смятые подушки и простыни, стеклянный графин, стакан с водой, пузырьки с лекарствами и рецепты врача. Слева заметны потрепанные книги в красной и голубой обложке, возможно это домашние лечебники или альбомы, которыми развлекали больную. Подобная композиция является символом того, что вся жизнь этой больной сосредоточена вокруг этого стола и стоящих на нем предметов. На работе натюрморту отдана активная роль в создании настроения. Также достаточно характерен натюрморт, который выдвинут на первый план, в картине К.Маковского «Алексеич» . На картине фигура человека изображена уже на заднем плане, за натюрмортом. Образ благодушного старика раскрывается в той искренней радости, с которой он предвкушает свое одинокое чаепитие. Горбушка хлеба, кипящий самовар, варенье в стеклянной банке, бережно укрытая полотенцем коробка с сахаром и чаем - все это создает ощущение покоя и тепла, которое искренне радует неприхотливого человека.

Натюрморт (фр. nature morte - «мёртвая природа») - изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию - либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо - в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов - в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Нидерландский натюрморт XVII века

Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе - «тихая, неподвижная жизнь».

Натюрморт в русской живописи 18-20 веков

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве "низшего" жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

Русские натюрмористы

• Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
• Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
• Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
• Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
• Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
• Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
• Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
• Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
• Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
• Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
• Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
• Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
• Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
• Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
• Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
• Шаманов Борис Иванович (1931-2008)

О некоторых знаковых художниках, создававших картины в жанре натюрморта.

Введение

Термин «натюрморт» используется для дефиниции картин, изображающих неодушевленные объекты (от латинского «мертвая природа»). Причем объекты могут быть как естественного происхождения (плоды, цветы, мертвые животные и насекомые, черепа и прочее), так и созданные человеком (различная утварь, часы, книги и свитки бумаги, ювелирные украшения и так далее). Зачастую в натюрморт включается некоторый скрытый подтекст, переданный через символическое изображение. Работы аллегорического характера относятся к поджанру «ванитас» .

Натюрморт как жанр получил наибольшее развитие в Голландии в 17-ом веке как способ протеста против официальной церкви и навязывания религиозного искусства. В дальнейшей истории живописи работы голландцев того времени (Утрех, Лейден, Делфт и других) оказали огромное влияние на развитие искусства: композицию, перспективу, использование символики в качестве элемента повествования. Несмотря на свою значимость и интерес со стороны публики, по мнению академий искусств , натюрморт занимал в общей иерархии жанров последнее место.

Рэйчел Рюйш

Рюйш - один из самых известных голландских реалистов и авторов натюрморта. Композиции этой художницы содержат массу символики, разнообразных моральных и религиозных посылов. Ее фирменный стиль представляет собой комбинацию темного фона, дотошной проработки деталей, нежной окраски и изображении дополнительных, придающих интерес, элементов(насекомых, птиц, рептилий, хрустальных ваз).

Хармен ван Стенвейк

Работы этого голландского реалиста прекрасно демонстрируют натюрморты в стиле ванитас, иллюстрирующие суету земной жизни. Одной из самых знаменитых картин является «Аллегория тщеславия человеческой жизни», в которой показан человеческий череп в лучах солнечного света. Различные предметы композиции отсылают к идеям неотвратимости физической смерти. Детализация и уровень реализма картин Стенвейка достигается за счет использования тонких кистей и техники нанесения краски.

Поль Сезанн

Известный своими пейзажами, портретами и жанровыми произведениями, Сезанн внес вклад и в развитие натюрморта. После того, как интерес к импрессионизму пропал, художник начал исследовать фрукты и природные объекты, экспериментировать с объемными фигурами. Эти исследования помогли создать перспективу и объем в натюрмортах не только с помощью классических методов, но и путем мастерского использования цвета. Все рассмотренные Сезанном направления в дальнейшем были дополнительно изучены Жоржем Браком и Пикассо при разработке аналитического кубизма . В погоне за целью создать что-то «постоянное», художник предпочитал писать одни и те же объекты, а невероятно длительный процесс создания натюрморта приводил к тому, что фрукты и овощи начинали гнить и разлагаться задолго до завершения картины.

Хем

Ученик Давида Байи, голландский реалист Хем известен великолепными натюрмортами с большим числом деталей, нагруженными композициями, обилием насекомых и прочих декоративных и символичных элементов. Нередко художник использовал в работах религиозные мотивы, подобно Яну Брейгелю и Федерико Борромео.

Жан Батист Шарден

Сын плотника Жан Шарден приобрел свое трудолюбие и тягу к порядку именно благодаря отцу. Картины мастера зачастую спокойны и трезвы, ведь он стремился к гармонии тона, цвета и формы, во многом достигаемой благодаря работы с освещением и контрастами. Желание чистоты и порядка выражается также в отсутствии аллегорий в композициях.

Франс Снейдерс

Автор натюрмортов и сцен с животными эпохи барокко был невероятно плодовитым мастером, а его способность изобразить текстуру кожи, меха, стекла, металла и прочих материалов была непревзойденной. Снайдерс был также выдающимся анималистом, часто изображая в своих натюрмортах мертвых животных. Позже он становится официальным живописцем эрцгерцога Альберта Австрии, что вылилось в создание еще большего числа шедевров.

Франсиско де Сурбаран

Сурбаран - известный автор картин на религиозную тему - является одним из величайших создателей натюрмортов. Окрашенные в строгих испанских традициях, его работы имеют качество, не зависящее от времени, и безупречную простоту. Как правило, они представляют небольшое число объектов на затемненном фоне.

Конор Уолтон

Из современных авторов внимания заслуживает Конор Уолтон. Вклад ирландского художника в развитие натюрморта можно отчетливо увидеть в работах «Сокрытое: апельсины и лимоны» (2008), «Натюрморт с большими Орхидеями»(2004). Труды мастера точны и выполнены с исключительным использованием света, помогающим передать текстуры различных поверхностей.

Лучшие натюрморты обновлено: Ноябрь 14, 2017 автором: Глеб