Игорь Стравинский. Русский период. Игорь федорович стравинский и его многогранная музыка
Имя Игоря Стравинского известно во всём мире. Его гениальные музыкальные произведения исполняют в самых разных уголках земли. Россия, Франция и США по-особенному относятся к гениальному композитору. В России он родился и начал карьеру, а во Франции получил мировую известность, а в Америке провёл свои последние годы.
Детство и юность
Игорь Фёдорович Стравинский родился неподалёку от Петербурга. Его отец, солист Мариинского театра Фёдор Стравинский имел дачу в Ораниенбауме (ныне г. Ломоносов). Там 5 (17) июня 1882 года появился на свет будущий композитор. Семья Стравинских была близка со многими людьми искусства. Кроме актёров и музыкантов, в доме бывали писатели и журналисты. Фёдор Стравинский был знаком с . В девять лет Игорь начал учиться игре на фортепиано, но его обучение ограничивалось лишь частными уроками.
Родители отдали сына в частную гимназию Якова Гуревича, одно из лучших учебных заведений тогдашнего Петербурга. В возрасте 19 лет Стравинский поступил на юрфак Санкт-Петербургского университета. Всё это время он продолжал заниматься музыкой как любитель. В 1902–1904 году Стравинский брал уроки игры на фортепиано у двух выдающихся учителей: Василия Калафати и Николая Римского-Корсакова. Последний увидел в ученике необычайный талант и кроме уроков игры давал Стравинскому уроки композиции.
Первая слава композитора
Римский-Корсаков направлял молодого композитора. Под руководством мастера Стравинский написал свои первые работы. В 1906 году занятия с Римским-Корсаковым прекратились. Больше Стравинский не получал никакого музыкального образования. В том же году состоялось первое публичное исполнение его работ: В Петербурге была представлена его сюита «Фавн и пастушка». Это произведение очень понравилось Сергею Дягилеву, который предложил молодому композитору написать музыку балета, который Дягилев планировал поставить в Париже. Первый же балет для русских сезонов – «Жар-птица» – прославил Стравинского. Но наибольшую славу, противоречивую и сканадальную, ему принёс третий балет для Дягилева, «Весна священная», поставленный в 1913 году.
Эмиграция
Когда началась , Стравинский уехал из России, как позже оказалось навсегда. В 1915 году он поселился во Франции, но «русский» период его творчества продолжался до 1920 года. к этому периоду относятся его оперы «Соловей», «История солдата» и «Свадебка». В двадцатые годы Стравинский обратился от классических русских сюжетов к античным. Это ознаменовало его переход к «неоклассическому» творческому периоду.
Первым крупным произведением этого периода стала опера «Мавра», за которой последовали опера «Царь Эдип» и «Симфония псалмов». Отличительным признаком работ этого периода стала не только ориентация композитора на классические сюжеты, но и переосмысление классических музыкальных произведений XVIII века. В 1939 году Стравинский уехал из Европы. Он поселился в США и в 1945 году принял американское гражданство. После войны он возобновил гастроли по миру, но в России побывал лишь однажды, в 1962 году.
Позднее творчество
В пятидесятые годы начинается последний период творчества Стравинского – «серийный». Его отличает активное использование серийной техники, особого вида гармонии, изобретённого австрийскими композиторами в начале ХХ века. Величайшей работой Стравинского из созданных в серийное время считается серия произведений для хора под общим названием «Requiem Canticles» («Заупокойные песнопения»). Свои последние творения – музыку к двум стихотворениям Гуго Вольфа – Стравинский завершил в 1968 году. Через три года композитора не стало (6.04.1971). Его похоронили в Италии недалеко от могилы Сергея Дягилева.
Игорь Фёдорович Стравинский (1882 – 1971), русский композитор, дирижёр и пианист.
«Человек тысяча одного стиля», «Композитор-хамелеон», «Законодатель музыкальных мод» Игорь Фёдорович Стравинский - крупнейший композитор ХХ века.
Его наследие сегодня относится к классике современности. Именно ему удалось отразить важнейшие черты эпохи, ее конфликтность, динамизм. Разнообразие тем, сюжетов, подвижность творческой манеры – приметы его универсального стиля, сумевшего с энциклопедической широтой охватить и воплотить духовные процессы современности.
Игорь Фёдорович Стравинский родился 5 (17) июня 1882 года в Ораниенбауме в семье известного певца, солиста Мариинского театра Фёдора Игнатьевича Стравинского. Мать композитора Анна Кирилловна Холодовская была неплохой пианисткой.
С девяти лет Игорь обучался музыке, но, как вспоминает он сам, уже «с трёх лет осознал себя как музыкант». Во время летнего отдыха в деревне он слушал и подражал пению крестьянских девушек, из детства всплывает и воспоминание о впечатлении от военно-духовой музыки, доносившейся из казарм, расположенных неподалёку от петербургской квартиры Стравинских у Крюкова канала.
Как вспоминает композитор в «Хронике моей жизни», одним из незабываемых впечатлений стал 1892 год, когда на юбилейном спектакле «Руслана и Людмилы» ему посчастливилось увидеть Петра Ильича Чайковского - предмет его особой любви: юный музыкант уже тогда успел оценить в его сочинениях «Силу инструментальной изобразительности». Позднее фотография Чайковского с дарственной подписью Фёдору Игнатьевичу хранилась в доме будущего композитора как семейная реликвия.
Надо сказать, что отец Игоря не желал сыну карьеры музыканта-профессионала и определил его на юридический факультет Петербургского университета. Занятия по юриспруденции юношу не увлекали и параллельна занятия музыкой все же продолжались. С 1902 года Стравинский сближается с семьёй Н. А. Римского-Корсакова , который признал его композиторское дарование, но посоветовал развивать гармонический слух, а также разрешил периодически обращаться за консультацией. В течение следующих пяти лет общение между ними стало более тесным и выходило за рамки музыкальных занятий.
Войдя в круг живого музыкального процесса, молодой Стравинский бывал на музыкальных «средах», где собирались виднейшие музыканты, в том числе В. В. Стасов. Там же случались и премьеры сочинений самого Стравинского (сонаты fis-moll и вокализа «Пастораль», который исполнила дочь Николая Андреевича, Надежда). Под чутким руководством Н. А. Римского-Корсакова Стравинский пишет свою Первую симфонию с посвящением «дорогому учителю». Стоит отметить, что обучение у Римского-Корсакова стало единственной композиторской школой Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.
Примерно 1903-1904 годах он входит в кружок «Вечеров современной музыки», по началу втайне от своего учителя, и лишь спустя время Римский-Корсаков узнает, что его ученик «изменяет» своей школе. «Игорь Фёдорович излишне ударился в модернизм»,- с сожалением говорил Николай Андреевич. - Вся эта декадентская лирика полна мглы и тумана». «Фейерверк», «Фантастическое скерцо» (по Метерлинку), опера «Соловей», (по одноименной сказке Андерсена) - все это влияние импрессионизма и символизма.
В 1905 году Стравинский заканчивает университет, годом позже женится на своей кузине Екатерине Носенко. Отказавшись от юридической карьеры, он решает полностью посвятить себя музыке.
На премьере «Фейерверка» (1908) присутствовал Сергей Дягилев , на тот момент известный меценат и основатель журнала «Мир искусства», задававшего тон всему «новому» искусству того времени. Именно этому человеку суждено было сыграть особую роль в дальнейшей судьбе Стравинского.
Высоко оценив талант молодого композитора, Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. Это предприятие, особенно на первых порах, знакомило европейскую публику с блестящими образцами современного русского искусства. Именно благодаря Дягилеву Париж услышал целиком оперы Мусоргского, увидел русский балет. Мысль о русском сказочном балете уже давно преследовала Дягилева. Как вспоминает балетмейстер М. Фокин, «самым фантастическим созданием народной сказки и вместе с тем наиболее подходящим для танцевального воплощения является Жар-птица!».
Спустя несколько месяцев после начала работы композитор А. Лядов возвратил ему присланное либретто балета, и Дягилев окончательно решил остановить свой выбор на Стравинском. К 1910 году партитура была готова, ярко тембровая, импрессионистская по духу. Этот балет-сенсацию постепенно готовили балетмейстер М. Фокин, будущие исполнители главных ролей - Т. Карсавина , В. Нижинский , художник А. Головин, а также постоянные консультанты Дягилева - А. Бенуа, и Л. Бакст. Стравинский и Фокин подолгу сидели за роялем в поисках синхронности движения и музыки. «Я для него мимировал сцены, - вспоминает балетмейстер. - Он по моей просьбе разбивал свои или народные темы на короткие фразы, соответственно моментам сцены, жестам. Стравинский следил за мной и вторил мне отрывками мелодии Царевича на фоне таинственного трепета, изображающего сад злого Кащея».
Несколько лет спустя Стравинский сделал из музыки балета новую оркестровую пьесу, перередактировав её текст и исключив все тембровые излишества. В новом варианте сюита из «Жар-птицы» завоевала всемирную популярность.
В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский создаёт ещё два балета, принёсших ему мировую известность, среди них «Петрушка» и «Весна священная». Первый из них – «потешные сцены», авторами которых стали сам Стравинский, Бенуа и Дягилев (1911). После премьеры балета в Париже с восторгом о музыке «Петрушки» отзывается Дебюсси, называя автора «гением колорита и ритма».
Балет «Весна священная» - «картины языческой Руси» на либретто Рериха. После проигрывания в четыре руки только что законченной партитуры «Весны» Лалуа воспоминает: «Мы были немы, сражены до глубины души, как после урагана, пришедшего из глубин веков и пустившего корни в нашу жизнь» (1913).
Вскоре после премьеры Стравинский, находясь в Швейцарии, заболел брюшным тифом и одно время был почти при смерти. Больного навещали Дебюсси , М. де Фалья, А. Казелла, Равель. Заслуживает упоминания единственная встреча Стравинского со Скрябиным . Оба музыканта в сдержанной форме проявили взаимный интерес. Стравинский попросил автора «Поэмы экстаза» прислать ему его последние фортепианные сонаты. Здесь же он познакомился с экспрессионизмом, «Лунным Пьеро» А. Шенберга.
«Швейцарский» период сыграл особую роль в жизни и творчестве Стравинского. В нем чувствовался интерес к русским национальным образам, к русской экзотике, к сказке, фольклору. Об этом говорит хотя бы перечень произведений, созданных в те годы: «Прибаутки», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «История солдата».
В июле 1914 года Стравинский начал работать над «Свадебкой», изначально планировавшейся как балетный дивертисмент. Композитор отправился в Киев, надеясь разыскать поэтический сборник русских народных песен П. Киреевского и ещё кое-какие материалы. Заехав затем в Устилуг, своё фамильное поместье, он намеревался той же осенью вернуться в Киев за материалами. Но жизнь нарушила его планы: через несколько дней после возвращения в Швейцарию началась война. Стравинский решил не возвращаться ни в Париж, ни на родину, а остаться в нейтральной Швейцарии. Он обосновался в Кларане. И за последующие семь лет исколесил почти всю часть французской Швейцарии - Кларан, Сальван, Морж.
В 1917 году Стравинский посетил Рим и Неаполь. Там он познакомился с Пабло Пикассо, с которым у него завязалась тесная дружба. В Швейцарии же он дебютировал в качестве дирижёра собственной музыки, завязалась тесная дружба с поэтом Ш. Рамюзом и дирижёром Эрнестом Ансерме.
В 1919 году Стравинский выехал в Париж. Вокруг него образовался кружок близких друзей, с которыми устанавливались все более тесные отношения, это были молодые модернисты: «моднейшие парижане», Жан Кокто, Пабло Пикассо, Равель, Бенуа, Нижинский, художники Матисс, Гончарова, Ларионов. В салоне меценатки Э. Полиньяк, особо благоволившей к Стравинскому, он сблизился с Мануэлем де Фальей, Габриелем Форе, Эриком Сати. Молодая французская «Шестёрка» (Ж. Орик, Ф. Пуленк, Д. Мийо и другие) тоже видела в Стравинском своего вдохновителя. Позднее Стравинский много общался с писателем Андре Жидом, Чарли Чаплином.
В первые годы после возвращения во Францию композитор был по-прежнему тесно связан с Дягилевым. В Европе с успехом шли его балеты, особенно «Петрушка». В 1921 году он отправился на гастроли в Испанию, Бельгию, Голландию, Германию. 22 мая 1924 года состоялся концертный дебют Стравинского как пианиста. С оркестром С. Кусевицкого он исполнил свой Концерт для фортепиано.
В 1925 году он впервые отправился в поездку в США. Последующие Американские турне 1937, 1939 годы все более укрепляли его творческие связи с этой страной. К середине 1920-х годов относится очередное увлечение Стравинского интерес к механическому фортепиано, сконструированному французской фирмой «Плейель». Композитора увлекла возможность создания документальной авторской записи, которая могла бы служить своего рода эталоном. Он специально изучал акустические принципы записей и обусловливаемые ими особенности гармонии, голосоведения, приспосабливал к роялю оркестровые партитуры и даже создал новую оркестровку « Свадебки» , специально рассчитанную на использование механических роялей и электрогармониума.
Стравинский фактически жил в доме главы фирмы «Плейель». И, кстати, именно там произошла его встреча с В. Маяковским, приехавшим в 1923 году в Париж. Увлечение пианолами прошло столь же скоро, как и многие другие преходящие увлечения. Так, например, в Швейцарии он увлекался велосипедным спортом, во Франции стал страстным автомобилистом. Быстро научившись вождению, он изъездил на своём «Рено-Гочкисе» весь Лазурный берег.
В 1939 году во Франции умерла жена композитора Е. Носенко. Несколько раньше он потерял мать и старшую дочь. Кончину близких композитор переживал очень остро, тогда впервые возникло желание переехать в другую страну. Но помимо этого были и другие причины. В 1936 году друзья сыграли со Стравинским злую шутку: они уговорили его выставить свою кандидатуру в число «бессмертных» - во Французскую академию изящных искусств. На выборах, однако, он был скандально провален, и вместо него был выбран довольно средний французский композитор Флоран Шмидт. Этот инцидент не был случайностью. Уже и до того многие французы, особенно же французская музыкальная молодёжь, стали изменять своему былому кумиру: все чаще раздавались голоса, требующие свергнуть с пьедестала иностранного «мэтра».
Все это проходило не бесследно для самочувствия Стравинского, тогда уже гражданина Франции. В то же время поездки в США укрепляли его связи с американскими фирмами, оркестрами, меценатами. По их заказам он написал ряд сочинений. В 1939 году по приглашению Гарвардского университета он прочёл курс лекций о своей музыкальной эстетике.
Разразившаяся Вторая мировая война послужила последним и непосредственным толчком к окончательному решению: пароход «Mauntbatten» доставил композитора к берегам его «третьей родины». Стравинский жил во Франции с 1920 по 1940 год. В Париже состоялись премьеры его оперы «Мавра» (1922), «Свадебки» (1923) - итогового произведения русского периода, а также оперы-оратории «Царь Эдип» (1927), знаменовавшей собой начало периода в творчестве композитора, который принято называть «неоклассическим».
В начале сороковых годов открылся новый период творческой биографии Стравинского, который можно назвать «американским». В декабре 1939 года он по приглашению уезжает на Западный берег США - в Сан-Франциско и Лос-Анжелес. Города Калифорнийского побережья напоминали композитору Лазурный берег Франции. Было решено обосноваться именно здесь, в Калифорнии, в Голливуде. В те годы на побережье Тихого океана поселилось немало крупных писателей и музыкантов, эмигрировавших из объятой пламенем войны с фашизмом Европы: Томас Манн, Лион Фейхтвангер, Арнольд Шенберг и многие другие.
Живя в центре американской кинопромышленности, Стравинский неизменно отвергал любые предложения работать для кино, утверждая, что его не удовлетворяет принцип случайности, определяющий сочинение киномузыки. Находясь в самом эпицентре джаза, композитор не обходит стороной и это направление. Для негритянского оркестра Вуди Германа он пишет в 1945 году «Чёрный концерт», с типично джазовыми эффектами, виртуозными соло кларнета и «цветовой партитурой» (выступления его сопровождались световыми эффектами при помощи разноцветных прожекторов).
Постепенно музыкальный язык Стравинского становится более аскетичным. На смену динамизму приходит сдержанность. Композитор обращается к серийной технике, и отныне она станет доминирующим в организации музыкальной ткани его сочинений. Первое серийное сочинение – Септет (1953). Полностью серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, как таковой, стал Threni (Плач пророка Иеремии; 1958 г.). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, - это «Движения» для фортепиано с оркестром (1959). Итоговое музыкальное произведение серийного периода - Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра.
В 1947 году состоялось знакомство Стравинского с Робертом Крафтом, молодым дирижёром. Вскоре он стал постоянным музыкальным ассистентом и сотрудником Стравинского, интерпретатором его сочинений. Регулярное многолетнее общение Крафта со Стравинским послужило основой для публикации их «Диалогов».
Значительную группу представляют сочинения, являющиеся данью памяти ушедшим друзьям и близким. Окружение Стравинского редеет, и к концу жизни он все сильнее ощущает своё одиночество: «Сегодня у меня нет собеседников, которые смотрели бы на мир моими глазами».
К мемориальным опусам относятся – «Траурные каноны и песнь памяти Дилана Томаса» (l954), «Эпитафия» (l959), «Элегия Джону Кеннеди» (1964), вариации памяти Олдоса Хаксли (l964), Introitus памяти Томаса Элиота, и, наконец, последнее, крупное сочинение - Requiem Canticles для контральто и баса соло, хора и оркестра (l966). «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину», «Реквием в моем возрасте слишком задевает за живое», «сочиняю шедевр своих последних лет» - признается И. Стравинский.
И все же интенсивность композиторской и исполнительской деятельности не утихала и в глубокой старости, до 85-летнего возраста сохранялся строгий рабочий распорядок: полгода - каждодневная творческая работа, полгода – концертные турне. В 1962 году Стравинский посетил Москву и Ленинград. Поездка на родину, по словам самого композитора, его очень воодушевила.
Одно из последних, завершённых его произведений – обработка для камерного оркестра двух духовных песен Гуго Вольфа (1968), но он ещё успеет задумать и начать оркестровку четырёх прелюдий и фуг из ХТК И. С. Баха (1968-1970).
Но на этом творческая деятельность мастера обрывается. 6 апреля 1971 года, за 2 месяца до своего 89-летия Игорь Фёдорович Стравинский скончался. Он похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), в так называемой «русской» его части, вместе со своей женой Верой, недалеко от могилы Сергея Дягилева.
Путь Стравинского изобилует частыми модуляциями: от Юношеской симфонии, отмеченной влиянием Глазунова и Брамса , к русскому импрессионизму «Жар-птицы» и «Соловья», далее к неопримитивизму «Весны священной». Октет духовых возвестил поворот к неоклассицизму, в котором за тридцать лет также наметилось несколько параллельных течений.
И, наконец, Септет 1952 года открыл ещё одну главу в творческой биографии Стравинского - период сериализма. Его художественные симпатии простираются от Баха до Булеза, от свадебного русского чина до французского модерна, от строгих метров античного стиха до острых джазовых ритмов - таков круг его художественных симпатий. Почти каждая новая глава в биографии Стравинского - это глава в истории западноевропейской музыки ХХ века.
Творчество Стравинского, в сущности, далеко от событий реальной действительности. Композитор сравнивает эстетическое чувство слушателя музыки с ощущением, которое испытываешь, созерцая «игру архитектурных форм» . Поэтому он бежит современности, отворачивается от ее героев, и лишь иногда мощный ветер жизненных бурь врывается в его музыкальный мир.
В музыке Стравинский больше всего боится «произвола» исполнителя, все равно - пианиста, дирижёра, актёра. Искусство представления - точное выполнение авторских намерений - вот его идеал! Герои должны быть лишены «романтических» переживаний. Поэтому такое большое значение приобретает нонперсонификация, обезличивание главных героев (Невеста в «Свадебке», Избранница в «Весне священной», в «Байке» главные герои - мимические фигуры, а поют за них другие артисты, спрятанные в оркестре, либо целый хор).
Феномен музыки дан нам единственно для того, чтобы внести порядок во все существующее, включая прежде всего отношения между «человеком и временем». Особенности характера композитора накладывали отпечаток на его творчество, например, профессиональные качества точности, пунктуальности, предусмотрительности, хронометрической интуиции. Неслучайно Стравинского называли композитором-хронометром, композитором-инженером, а его друг Ж. Кокто уверял, что рабочее место этого композитора напоминает «хорошо организованный операционный стол хирурга».
Творчество Стравинского до сих пор чрезвычайно актуально. Именно ему удалось пройти практически через весь ХХ век, при этом, надевая разные маски стилей, остаться верным себе. Композитор и сам, заканчивая «Хронику», пишет: «Я не живу ни в прошлом, ни в будущем. Я - в настоящем. Я не знаю, что будет завтра. Для меня существует лишь истина сегодняшнего дня. Этой истине я призван служить и служу ей с полным сознанием».
Прожил долгую, почти девяностолетнюю, жизнь, большая часть которой прошла за границей. Через десять лет после «художественной эмиграции» в 1913 из России, которая не приняла ни его «Петрушку», ни тем более «Весну священную», он с горечью скажет: «Я утратил свои корни».
Но Игорь Стравинский везде и всегда воспринимался как русский композитор, его русская сущность никуда не делась и именно она пронизывает все его творчество. Особенно ярко она проявилась в «русский» период его творчества. Тогда национальный фольклор и народная языческая стихия были основой всех его произведений в течение пятнадцати лет.
Вершиной периода стала «Весна священная» (1913), которую невозможно спокойно слушать и сто лет спустя. И так будет всегда, потому что эта потрясающая по силе музыка затрагивает основы человеческого бытия не только русского, но и любого, проникая на глубинный уровень, вводя в экстаз, захватывающий и даже постыдный, противостоять которому невозможно.
В русской поэзии есть еще только один такой пример - это поэзия Велимира Хлебникова. Случайно или нет, но Хлебников умер в 1922 году, в то же время, когда закончился "русский" период Игоря Стравинского. И начинали они примерно в одно время - в начале нулевых годов прошлого столетия, став яркими представителями расцвета русской культуры - Серебряного века.
Леон Бакст. Эскиз костюма к балету "Жар-птица" 1910.
В начале "русского" периода Игорь Стравинский еще оставался в рамках традиции "Могучей кучки" и Н.Римского-Корсакова, которого считал своим духовным наставником и учителем. И потому «Жар-птица» (1910) во многом напоминает корсаковского «Садко», но уже в «Петрушке» (1911), и особенно - в революционной «Весне священной», от этой традиции не осталось и следа.
Отказ от красивости, гладкости и мелодичности, привнесенных культурой предыдущих веков, обращение к народной традиции и фольклору, частушечность, интонационные и метрические перебивы, повторы, предпочтение, отдаваемое разнородности мотивов, плясовые ритмы и скоморошество, театральность и праздничность - все это питалось уже из других источников.
И Хлебников, и Стравинский искали вдохновение и новизну в народной стихии и в фольклоре, они были открывателями, новаторами, реформаторами, экспериментаторами и изобретателями нового языка: один в музыке, другой - в поэзии, хотя их личные судьбы сложились совершенно по-разному.
Один, хоть и нуждался постоянно в деньгах, но прожил благополучную и относительно обеспеченную жизнь. Другой - так и остался человеком неотмирным, странствующим дервишем, без семьи и дома, без денег и без малейшего намека на желание иметь то, и другое. Его интересовала только поэзия и слово, все остальное - ему только мешало.
Ф.Бенуа. Эскиз афиши к балету "Петрушка"
В основе творчества того и другого лежит стихия, завораживающая энергией, магией, заговорами, необычными дионисийскими ритуалами, рождающими странные чувства у о-культуренного аполлонического человека, вызывающие реакцию отторжения, как минимум, как максимум - непонимание и скандал.
Примерно то же самое потом делал Арто в театре и тоже вызывал скандалы. Но скандал, произведенный «Весной священной», для композитора стал неожиданным сюрпризом, потому что эту музыку он искренне любил, но реакция публики привела его в замешательство: он не был к этому готов.
И только прозорливая гениальность Сергея Дягилева могла понять, что все только начинается, хотя и он, впервые услышав «Весну священную», был шокирован, но после премьеры уже окончательно был уверен: именно за этой музыкой будущее. И оказался прав.
Через год «Весна священная» была воспринята как триумф Игоря Стравинского, как музыкальная революция. И именно она определила развитие европейской музыки в XX веке. Пережив три русских революции и две мировых войны, Игорь Стравинский тонко чувствовал время и чутко реагировал на изменения времени своей музыкой.
Н.Рерих. Девушки. Эскиз декорации и костюмов к балету И.Ф.Стравинского «Весна священная»
В начале пути он находится под влиянием Римского-Корсакова, Чайковского и Глазунова, но также и западно-европейской музыки Равеля и Дебюсси. В это время его привлекает и увлекает универсализм творчества участников кружка «Мира искусства», которые просвещали своих читателей и поклонников шедеврами, неважно на какой национальной почве они созданы.
В "Мире искусства" Игорь Стравинский знакомится с Сергеем Дягилевым, организатором и вдохновителем этого сообщества. Именно он в дальнейшем определит судьбу молодого композитора, став его постоянным заказчиком в «русский период».
Но сначала Игорь Стравинский, интересующийся поэзией, пишет песни на стихи своих любимых поэтов: Блока, Городецкого, Бальмонта. Первый большой заказ композитор получает от Дягилева на балет «Жар-птица», музыку к которому не успевал написать к сроку Лядов и Дягилев передает заказ молодому Стравинскому.
Это был подарок судьбы и шанс начать серьезное сотрудничество с «Миром искусства». Успех «Жар-птицы» в «Русских сезонах» сделал реальным сотрудничество не только с Дягилевым, но и с другими участниками кружка. Через год новый поворот и новая музыка - карнавально-городская «Петрушка», через два года - знаменитая языческо-славянская «Весна священная".
Так Россия в музыке Игоря Стравинского разворачивается и предстает в разных обличиях и в разных пространствах: сказочно-крестьянском («Жар-птица»), мещанско-городском («Петрушка») и языческо-архаическом («Весна священная»). Это был новый стиль, в котором работали все «мирискусники»: Головин, Бенуа, Рерих, Бакст, Гончарова, Ларионов.
Праздничный, яркий, динамичный, буйно-декоративный, сменивший утонченный и статичный импрессионизм. Апофеозом и своебразным манифестом этого молодого поколения стала «Весна священная» с ее потрясающей энергетикой и бешеным ритмом.
Многие из окружения Стравинского в России не приняли эту музыку, как не приняли ее на премьере в Париже, но для молодой знаменитости, которого с восторгом принимали в лучших домах Европы, это было уже неважно: он вошел в иное музыкальное пространство, став законодателем музыкальной моды.
Потом еще шлейфом пишутся «Три истории для детей», «Прибаутки», «Свадебка» и другие произведения, но врастание в европейскую культуру и потеря России после Октября уже окончательно означали для Игоря Стравинского конец «русского периода» и начало нового - «неоклассического», который продлится тридцать лет....
Предлагаю посмотреть мультфильм "Рождественская фантазия", в основе которого - музыка Игоря Стравинского "Петрушка": святки продолжаются...
Тина Гай
...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей, музыкальные фестивали, рекламу...
И. Стравинский
...Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного...
Д. Шостакович
Творческая жизнь И. Стравинского - это живая история музыки XX в. В ней, как в зеркале, отразились процессы развития современного искусства, пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей, постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что композитор заслужил от современников прозвище «человек с тысячью лиц». Он подобен Фокуснику из своего балета «Петрушка» : свободно перемещает жанры, формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам собственной игры. Утверждая, что «музыка способна выражать лишь самое себя», Стравинский тем не менее стремился жить «con Tempo» (т. е. вместе со временем). В «Диалогах», изданных в 1959-63 гг., он вспоминает уличные шумы в Петербурге, масленичные гулянья на Марсовом поле, которые, по его словам, помогли ему увидеть своего Петрушку. А о «Симфонии в трех движениях » (1945) композитор говорил как о произведении, связанном с конкретными впечатлениями о войне, с воспоминаниями о бесчинствах коричневорубашечников в Мюнхене, жертвой которых едва не стал он сам.
Поразителен универсализм Стравинского. Он проявляется в широте охвата явлений мировой музыкальной культуры, в многообразии творческих исканий, в интенсивности исполнительской - пианистической и дирижерской - деятельности, продолжавшейся более 40 лет. Беспрецедентны масштабы его личных контактов с выдающимися людьми. Н. Римский-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягилев, художники «Мира искусства», А. Матисс, П. Пикассо, Р. Роллан. Т. Манн, А. Жид, Ч. Чаплин, К. Дебюсси, М. Равель, А. Шенберг, П. Хиндемит, М. де Фалья, Г. Форе, Э. Сати, французские композиторы группы «Шести» - вот имена некоторых из них. Всю жизнь Стравинский находился в центре общественного внимания, на перекрестке важнейших художественных путей. География его жизни охватывает множество стран.
Детство Стравинского прошло в Петербурге, жить в котором, по его словам, «было захватывающе интересно». Родители не стремились дать ему профессию музыканта, но вся обстановка благоприятствовала музыкальному развитию. В доме постоянно звучала музыка (отец композитора Ф. Стравинский был известным певцом Мариинского театра), имелась большая художественная и музыкальная библиотека. С детского возраста Стравинского увлекала русская музыка. Десятилетним мальчиком ему посчастливилось увидеть П. Чайковского, которого он боготворил, посвятив ему много лет спустя оперу «Мавра » (1922) и балет «Поцелуй феи » (1928). «Героем моего детства» называл Стравинский М. Глинку. Высоко ценил М. Мусоргского, считал его «самым правдивым» и утверждал, что в его собственных сочинениях есть влияния «Бориса Годунова». Дружеские отношения возникли с членами Беляевского кружка, особенно с Римским-Корсаковым и Глазуновым.
Рано сформировались литературные интересы Стравинского. Первым настоящим событием стала для него книга Л. Толстого «Детство, отрочество, юность», кумирами в течение всей жизни оставались А. Пушкин и Ф. Достоевский.
Занятия музыкой начались с 9 лет. Это были уроки фортепианной игры. Однако к серьезной профессиональной учебе Стравинский приступил лишь после 1902 г., когда, будучи студентом юридического факультета Петербургского университета, он начал заниматься с Римским-Корсаковым. В это же время он сблизился с С. Дягилевым, художниками «Мира искусства», посещал «Вечера современной музыки», концерты новой музыки, устраивавшиеся А. Зилоти. Все это послужило толчком к быстрому художественному взрослению. Первые композиторские опыты Стравинского - Соната для фортепиано (1904), вокально-симфоническая сюита «Фавн и пастушка» (1906), Симфония ми-бемоль мажор (1907), «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк» для оркестра (1908) отмечены влиянием школы Римского-Корсакова и французских импрессионистов. Однако с момента постановки в Париже балетов «Жар-птица » (1910), «Петрушка » (1911), «Весна священная » (1913), заказанных Дягилевым для «Русских сезонов», происходит колоссальный творческий взлет в том жанре, который Стравинский в дальнейшем особенно любил за то, что, по его словам, балет - «единственная форма сценического искусства, которая ставит в краеугольный камень задачи красоты и более ничего».
Триада балетов открывает первый - «русский» - период творчества, названный так не по месту пребывания (с 1910 г. Стравинский подолгу живет за границей, а в 1914 г. поселяется в Швейцарии), а благодаря проявившимся в это время особенностям музыкального мышления, глубоко национального по сути. Стравинский обратился к русскому фольклору, различные пласты которого очень своеобразно преломились в музыке каждого из балетов. «Жар-птица» поражает буйной щедростью оркестровых красок, яркими контрастами поэтической хороводной лирики и огненных плясов. В «Петрушке», названном А. Бенуа «балетомулицей», звучат популярные в начале века городские мелодии, оживает шумная пестрая картина масленичного гулянья, которой противопоставлена одинокая фигура страдающего Петрушки. Древний языческий обряд жертвоприношения определил содержание «Весны священной», воплотившей стихийный порыв к весеннему обновлению, могучие силы разрушения и созидания. Композитор, погрузившись в недра фольклорной архаики, столь радикально обновляет музыкальный язык, образы, что на современников балет произвел впечатление разорвавшейся бомбы. «Гигантским маяком XX века» назвал его итальянский композитор А. Казелла.
В эти годы Стравинский сочинял интенсивно, работая нередко сразу над несколькими совершенно разными по характеру и стилю произведениями. Это были, например, русские хореографические сцены «Свадебка » (1914-23), в чем-то перекликающиеся с «Весной священной», и изысканно-лирическая опера «Соловей » (1914). «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана », возрождающая традиции скоморошьего театра (1917), соседствует с «Историей солдата » (1918), где русский мелос уже начинает нейтрализоваться, попадая в сферу конструктивизма, элементов джаза.
В 1920 г. Стравинский переехал во Францию и в 1934 г. принял французское подданство. Это был период чрезвычайно насыщенной творческой, а также исполнительской деятельности. Для молодого поколения французских композиторов Стравинский стал высшим авторитетом, «музыкальным мэтром». Однако провал его кандидатуры во Французскую академию изящных искусств (1936), все более крепнущие деловые связи с США, где он дважды успешно концертировал, а в 1939 г. прочел курс лекций по эстетике в Гарвардском университете, - все это побудило его переехать в начале второй мировой войны в Америку. Он обосновался в Голливуде (Калифорния) и в 1945 г. принял американское подданство.
Начало «парижского» периода совпало у Стравинского с крутым поворотом к неоклассицизму, хотя в целом общая картина его творчества была достаточно пестрой. Начав с балета «Пульчинелла » (1920) на музыку Дж. Перголези, он создает целую серию произведений в неоклассическом стиле: балеты «Аполлон Мусагет » (1928), «Игра в карты » (1936), «Орфей » (1947); оперу-ораторию «Царь Эдип » (1927); мелодраму «Персефона » (1938); оперу «Похождения повесы » (1951); Октет для духовых (1923), «Симфонию псалмов » (1930), Концерт для скрипки с оркестром (1931) и др. Неоклассицизм Стравинского носит универсальный характер. Композитор моделирует различные музыкальные стили эпохи Ж. Б. Люлли, И. С. Баха, К. В. Глюка, поставив своей целью установить «господство порядка над хаосом». Это характерно для Стравинского, всегда отличавшегося стремлением к строгой рациональной дисциплине творчества, не допускавшей эмоциональных перехлестов. Да и сам процесс сочинения музыки Стравинский осуществлял не по наитию, а «ежедневно, регулярно, наподобие человека со служебным временем».
Именно эти качества определили особенность следующего этапа творческой эволюции. В 50-60-е гг. композитор погружается в музыку добаховской эпохи, обращается к библейским, культовым сюжетам, а с 1953 г. начинает применять жестко конструктивную додекафонную технику сочинения. «Священное песнопение в честь апостола Марка» (1955), балет «Агон » (1957), «Монумент Джезуальдо ди Веноза к 400-летию» для оркестра (1960), кантата-аллегория «Потоп» в духе английских мистерий XV в. (1962), Реквием («Заупокойные песнопения», 1966) - вот наиболее значительные произведения этого времени.
Стиль Стравинского становится в них все более аскетичным, конструктивно-нейтральным, хотя сам композитор говорит о сохранении в его творчестве национальных истоков: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе». Одним из последних сочинений Стравинского был канон на тему русской песни «Не сосна у ворот раскачалася», использованной ранее в финале балета «Жар-птица».
Так, завершая жизненный и творческий путь, композитор возвратился к истокам, к музыке, олицетворявшей далекое русское прошлое, тоска по которому всегда присутствовала где-то в глубинах сердца, прорываясь иногда в высказываниях, и особенно усилилась после посещения Стравинским Советского Союза осенью 1962 г. Именно тогда произнес он знаменательные слова: «У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни».
О. Аверьянова
...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей, музыкальные фестивали, рекламу...
И. Стравинский
...Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного...
Д. Шостакович
Творческая жизнь И. Стравинского - это живая история музыки XX в. В ней, как в зеркале, отразились процессы развития современного искусства, пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей, постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что композитор заслужил от современников прозвище «человек с тысячью лиц». Он подобен Фокуснику из своего балета «Петрушка» : свободно перемещает жанры, формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам собственной игры. Утверждая, что «музыка способна выражать лишь самое себя», Стравинский тем не менее стремился жить «con Tempo» (т. е. вместе со временем). В «Диалогах», изданных в 1959-63 гг., он вспоминает уличные шумы в Петербурге, масленичные гулянья на Марсовом поле, которые, по его словам, помогли ему увидеть своего Петрушку. А о «Симфонии в трех движениях » (1945) композитор говорил как о произведении, связанном с конкретными впечатлениями о войне, с воспоминаниями о бесчинствах коричневорубашечников в Мюнхене, жертвой которых едва не стал он сам.
Поразителен универсализм Стравинского. Он проявляется в широте охвата явлений мировой музыкальной культуры, в многообразии творческих исканий, в интенсивности исполнительской - пианистической и дирижерской - деятельности, продолжавшейся более 40 лет. Беспрецедентны масштабы его личных контактов с выдающимися людьми. Н. Римский-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягилев, художники «Мира искусства», А. Матисс, П. Пикассо, Р. Роллан. Т. Манн, А. Жид, Ч. Чаплин, К. Дебюсси, М. Равель, А. Шенберг, П. Хиндемит, М. де Фалья, Г. Форе, Э. Сати, французские композиторы группы «Шести» - вот имена некоторых из них. Всю жизнь Стравинский находился в центре общественного внимания, на перекрестке важнейших художественных путей. География его жизни охватывает множество стран.
Детство Стравинского прошло в Петербурге, жить в котором, по его словам, «было захватывающе интересно». Родители не стремились дать ему профессию музыканта, но вся обстановка благоприятствовала музыкальному развитию. В доме постоянно звучала музыка (отец композитора Ф. Стравинский был известным певцом Мариинского театра), имелась большая художественная и музыкальная библиотека. С детского возраста Стравинского увлекала русская музыка. Десятилетним мальчиком ему посчастливилось увидеть П. Чайковского, которого он боготворил, посвятив ему много лет спустя оперу «Мавра » (1922) и балет «Поцелуй феи » (1928). «Героем моего детства» называл Стравинский М. Глинку. Высоко ценил М. Мусоргского, считал его «самым правдивым» и утверждал, что в его собственных сочинениях есть влияния «Бориса Годунова». Дружеские отношения возникли с членами Беляевского кружка, особенно с Римским-Корсаковым и Глазуновым.
Рано сформировались литературные интересы Стравинского. Первым настоящим событием стала для него книга Л. Толстого «Детство, отрочество, юность», кумирами в течение всей жизни оставались А. Пушкин и Ф. Достоевский.
Занятия музыкой начались с 9 лет. Это были уроки фортепианной игры. Однако к серьезной профессиональной учебе Стравинский приступил лишь после 1902 г., когда, будучи студентом юридического факультета Петербургского университета, он начал заниматься с Римским-Корсаковым. В это же время он сблизился с С. Дягилевым, художниками «Мира искусства», посещал «Вечера современной музыки», концерты новой музыки, устраивавшиеся А. Зилоти. Все это послужило толчком к быстрому художественному взрослению. Первые композиторские опыты Стравинского - Соната для фортепиано (1904), вокально-симфоническая сюита «Фавн и пастушка» (1906), Симфония ми-бемоль мажор (1907), «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк» для оркестра (1908) отмечены влиянием школы Римского-Корсакова и французских импрессионистов. Однако с момента постановки в Париже балетов «Жар-птица » (1910), «Петрушка » (1911), «Весна священная » (1913), заказанных Дягилевым для «Русских сезонов», происходит колоссальный творческий взлет в том жанре, который Стравинский в дальнейшем особенно любил за то, что, по его словам, балет - «единственная форма сценического искусства, которая ставит в краеугольный камень задачи красоты и более ничего».
Триада балетов открывает первый - «русский» - период творчества, названный так не по месту пребывания (с 1910 г. Стравинский подолгу живет за границей, а в 1914 г. поселяется в Швейцарии), а благодаря проявившимся в это время особенностям музыкального мышления, глубоко национального по сути. Стравинский обратился к русскому фольклору, различные пласты которого очень своеобразно преломились в музыке каждого из балетов. «Жар-птица» поражает буйной щедростью оркестровых красок, яркими контрастами поэтической хороводной лирики и огненных плясов. В «Петрушке», названном А. Бенуа «балетомулицей», звучат популярные в начале века городские мелодии, оживает шумная пестрая картина масленичного гулянья, которой противопоставлена одинокая фигура страдающего Петрушки. Древний языческий обряд жертвоприношения определил содержание «Весны священной», воплотившей стихийный порыв к весеннему обновлению, могучие силы разрушения и созидания. Композитор, погрузившись в недра фольклорной архаики, столь радикально обновляет музыкальный язык, образы, что на современников балет произвел впечатление разорвавшейся бомбы. «Гигантским маяком XX века» назвал его итальянский композитор А. Казелла.
В эти годы Стравинский сочинял интенсивно, работая нередко сразу над несколькими совершенно разными по характеру и стилю произведениями. Это были, например, русские хореографические сцены «Свадебка » (1914-23), в чем-то перекликающиеся с «Весной священной», и изысканно-лирическая опера «Соловей » (1914). «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана », возрождающая традиции скоморошьего театра (1917), соседствует с «Историей солдата » (1918), где русский мелос уже начинает нейтрализоваться, попадая в сферу конструктивизма, элементов джаза.
В 1920 г. Стравинский переехал во Францию и в 1934 г. принял французское подданство. Это был период чрезвычайно насыщенной творческой, а также исполнительской деятельности. Для молодого поколения французских композиторов Стравинский стал высшим авторитетом, «музыкальным мэтром». Однако провал его кандидатуры во Французскую академию изящных искусств (1936), все более крепнущие деловые связи с США, где он дважды успешно концертировал, а в 1939 г. прочел курс лекций по эстетике в Гарвардском университете, - все это побудило его переехать в начале второй мировой войны в Америку. Он обосновался в Голливуде (Калифорния) и в 1945 г. принял американское подданство.
Начало «парижского» периода совпало у Стравинского с крутым поворотом к неоклассицизму, хотя в целом общая картина его творчества была достаточно пестрой. Начав с балета «Пульчинелла » (1920) на музыку Дж. Перголези, он создает целую серию произведений в неоклассическом стиле: балеты «Аполлон Мусагет » (1928), «Игра в карты » (1936), «Орфей » (1947); оперу-ораторию «Царь Эдип » (1927); мелодраму «Персефона » (1938); оперу «Похождения повесы » (1951); Октет для духовых (1923), «Симфонию псалмов » (1930), Концерт для скрипки с оркестром (1931) и др. Неоклассицизм Стравинского носит универсальный характер. Композитор моделирует различные музыкальные стили эпохи Ж. Б. Люлли, И. С. Баха, К. В. Глюка, поставив своей целью установить «господство порядка над хаосом». Это характерно для Стравинского, всегда отличавшегося стремлением к строгой рациональной дисциплине творчества, не допускавшей эмоциональных перехлестов. Да и сам процесс сочинения музыки Стравинский осуществлял не по наитию, а «ежедневно, регулярно, наподобие человека со служебным временем».
Именно эти качества определили особенность следующего этапа творческой эволюции. В 50-60-е гг. композитор погружается в музыку добаховской эпохи, обращается к библейским, культовым сюжетам, а с 1953 г. начинает применять жестко конструктивную додекафонную технику сочинения. «Священное песнопение в честь апостола Марка» (1955), балет «Агон » (1957), «Монумент Джезуальдо ди Веноза к 400-летию» для оркестра (1960), кантата-аллегория «Потоп» в духе английских мистерий XV в. (1962), Реквием («Заупокойные песнопения», 1966) - вот наиболее значительные произведения этого времени.
Стиль Стравинского становится в них все более аскетичным, конструктивно-нейтральным, хотя сам композитор говорит о сохранении в его творчестве национальных истоков: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе». Одним из последних сочинений Стравинского был канон на тему русской песни «Не сосна у ворот раскачалася», использованной ранее в финале балета «Жар-птица».
Так, завершая жизненный и творческий путь, композитор возвратился к истокам, к музыке, олицетворявшей далекое русское прошлое, тоска по которому всегда присутствовала где-то в глубинах сердца, прорываясь иногда в высказываниях, и особенно усилилась после посещения Стравинским Советского Союза осенью 1962 г. Именно тогда произнес он знаменательные слова: «У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни».
О. Аверьянова
Загрузка...
